《南京照相馆》以南京大屠杀为背景，讲述了1937年寒冬南京城的一家名为“吉祥”的照相馆里。
七个小人物——邮差、戏女、照相馆老板一家、翻译、逃兵。
因为求生的本能而蜷缩在一起，命运却被几卷冰冷的胶片彻底改变。
导演申奥采用了“大历史、小切口”的创作手法，镜头克制而深刻。
没有叙述宏大的硝烟战场，没有粗暴地聚焦施暴过程和受害者的痛苦。
而是让历史的沉重感压在几个普通老百姓的身上，通过小人物的遭遇和极具冲击力的留白，让观众铭记历史。
邮差阿昌被迫在日军摄影师伊藤的注视下，冲洗那些记录着暴行的底片时。他颤抖的双手，瞬间凝固的呼吸，是面对死亡威胁时最真实的生理反应。
日军为了摆拍“中日友好亲善”，从一个母亲手里夺下不断哭泣的襁褓中的婴儿，并狠狠地砸向地面，孩子的哭声戛然而止。
伊藤一边说给阿昌通行证，一边借刀杀人，还要把恶行包装成仁义礼智信。
可见日军从没把中国人当人看待，只是当做工具而已。中国人辛辛苦苦为日军干活换来两张通行证，拿到手出去了也是白白送死。
真实历史上的日本上层侵略者的主要嘴脸，更多是像伊藤秀夫那样，是用文明温和来掩盖侵略本质的伪善之徒。
他口中一口一个“朋友”，内心却满是军国主义的残暴与虚伪。
他们用偏狭和自大，解释中华传统文化里的“温良恭俭让”。把杀戮、奸淫、掠夺与践踏，解释为对中国人的怜悯与体恤。
种种伪善包装的非人性表现，也许比战场硝烟的大场面，更加令人毛骨悚然。
导演申奥提到该片的灵感来源，是1987年的另一部同题材国产片《屠城血证》。
《屠城血证》更直白地展示大量残忍的屠戮镜头——枪杀、强奸、纵火、活埋……纵然是陈旧的影像，但残忍的镜头至今仍在我脑海挥之不去，历历在目。
而《南京照相馆》没有刻意渲染血腥与暴行，镜头尽量避开直接的暴行展示。
通过人物面孔的凝视、细微表情动作的捕捉，将那份窒息的恐怖与屈辱，更深刻地刻入观众的心底。
它的成功之处在于既揭示了历史的残酷，又展现了人性的光辉。这种“不贩卖暴行”的坚持，反而让历史的沉重感更加难以消散。
戏女林毓秀被点名去给日军唱戏，回来狼狈不堪，魂不守舍。影片没有直接呈现她经历了什么，只给出一个开头和结果，中间的过程不言而喻。
相比许多国产片在荧幕上将镜头对准对女性的施暴和虐待，这种处理方式很是少见。
不少同题材的影片，都不舍得放弃对女性绝望和凄惨的刻画。那份尖锐的痛苦，既具有强烈的戏剧表现力，又在话题上自带吸引眼球的特质。
就连张艺谋的《金陵十三钗》里都不能免俗，完完整整地拍摄出了几名日本士兵轮奸一名中国妇女的画面。
在这些影像里，痛感是相当直接且不加修饰的。
创作者有着看似正当的理由：就是要明明白白地拍出恶魔的罪行，越震慑人，就越能铭记历史。
但申奥导演决定，《南京照相馆》不需要，照片里的尸体和刀剑就够了。
电影叙事全程点题“照相馆”，揭示了影像双刃剑的本质。相机胶片组装快门按压与子弹上膛蒙太奇的同步设计，是令人不寒而栗的隐喻。
相机在侵略者手中，是粉饰暴行、制造舆论假象的工具。
但同样是这些底片，在照相馆红灯下被平民的眼睛所“看见”，便转化为揭露滔天罪行的“子弹”。
儿子说看完《南京照相馆》“没太大感觉”，他的反应让我看到了一种断裂。
不是情感的断裂，而是历史记忆传递方式的断裂。
这不是因为他冷漠，而是他对这段南京大屠杀这段历史的了解得太少。这段沉重的历史，在像他这样的孩子的世界里，竟然如此遥远。
历史上满清入关时，清兵也对汉人进行过大规模屠杀行动，如“扬州十日”、“嘉定三屠”……我们大人对这段历史知之甚少，听起来同样是没有太大的感觉。
所以这个真的不能怪孩子，而是要反思我们的教育——该怎么去正确看待和铭记这段历史。
回想我上小学的时候，像《南京大屠杀》这样的电影，学校都是组织集体观看的。心中早早种下对历史的敬畏，爱国教育从小植根心底。
而如今，我们虽然拥有更多的教育资源。但如何讲述这段惨痛屈辱的历史，如何面对民族苦难，如何理解民族伤痛。如何牢记“勿忘历史、吾辈自强”这八个字，却成了需要更加谨慎思考的问题。
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