2026年1月11日，由国际著名建筑师安藤忠雄（Tadao Ando）设计的H+美术馆于苏州姑苏区启幕，迎来开馆首展。开馆之际，美术馆同期推出了两大重磅展览：由张子康担任策展人的“心游万象·无垠”展，汇集34位国内外艺术家的36件/组作品，构建多元艺术对话；“心游万象·澄明”则为艺术家梁铨的个人回顾展，共呈现49件/组代表作品。
作为苏州华贸中心综合体中的文化板块，H+美术馆在古城核心以“立体园林—回游动线”回应苏州园林传统，也把美术馆置于高人流商业日常之中：它的成败，不只取决于开馆的亮眼，更取决于公共性与内容机制能否持续运转。
以下是“凤凰艺术”为您带来的现场报道。
▲ H+美术馆“安藤忠雄与H+”主题展，展览现场
【多图左滑】
在苏州谈一座美术馆，总绕不开“园林”。古典园林作为世界遗产所代表的是一种以空间组织承载哲思与审美的传统。这更像是一种惯性的观看法则，以游走的过程行动代替静观，以路径的转折代替刻板陈列，把“有限”经营成“无限”的意境，也把“观看”变成一种需要身体参与的行走经验。这对H+美术馆来说，空间设计是一个具有挑战性的效仿模式。当H+美术馆把建筑设计交给以清水混凝土、光与几何见长的建筑设计师，这本身就带有对话的意味。现代空间的语言如何进入以曲折、借景、含蓄见长的园林传统？“回游性”又该如何体现？
▲ 华茂集团副董事长、安博凯直接投资基金合伙人李毅文（Stephen Le）在开幕式上致辞▲ 泰和泰律师事务所首席合伙人、法学博士、当代艺术收藏家程守太在开幕仪式上发言
▲ H+美术馆首展开幕仪式现场
安藤忠雄的设计作品主要采用钢筋混凝土，以独特的方式定义空间，使光线和风在其所有建筑作品中都能不断变化，从住宅、公寓楼到宗教场所、公共博物馆和商业购物中心，无不体现着这一点。他主要通过厚厚的混凝土墙来营造封闭的空间。
当外部条件迫使墙面趋于克制、开口受限时，内部空间就必须格外充实和令人满意。步入H+美术馆内部，自然光线经由天窗、狭长侧廊与与层间间隙被切割、引导和分级，在观众沿“回游”动线行走的过程中，光的强度与方向持续变化，形成明暗交替的节奏。让人们在移动中感到光线密度的渐变。一些区域刻意维持了一种园林式的幽暗，如同传统造园中的“夹景”与“障景”，以暗部制造视觉停顿，使随后抵达的明亮更具仪式感。
▲ H+美术馆内景
关于墙，它们能够分割空间、改变场所、创造新的领域。对于安藤来说，墙是建筑最基本的元素，但它们也可以是最丰富的元素。在H+美术馆，设计师将混凝土墙体，演变成园林中巧妙利用渗透加大景深的效果，以各种方法来营造融通的空间，增强景的层次感和深远感。园林的墙一向兼具屏障与媒介的双重属性，先阻挡外部的杂讯，形成可以安顿心神的内向空间，又通过转折、夹道、洞门、漏窗与框景，把视线与脚步重新编排，让景深在曲折中被制造出来。
H+的墙也延续了这种结构性功能，它建立了一种内在安宁的秩序，又通过连续的折转与层叠，把光、水、绿意与展厅之间的关系拆分成一系列段落，观者在行进中不断经历收束、停顿、再展开，空间的宽阔由这些连续的段落累积出来。于是，回游形成了一种阅读方式，如同苏州园林般，墙与空间围而不死，隔而可通，界域两分，富有变化，这些都是用墙塑造空间的创造。
▲ H+美术馆内景
▲ H+美术馆开馆首展现场
《园冶》有云，“深奥曲折，通前达后，全在斯半间中，生出幻境也”。园林中路径的曲折不只是连接了前后的方位，在行走的过程中也会有不同的情景出现。这种建筑与观看的互文关系，在H+双展“心游万象”中被放大。H+的开馆展以“心游万象”为主题，选择了两个既独立又呼应的展览，铺陈从宏阔的集体叙事到深邃的个人精神世界的路径。
从张子康策划的“心游万象·无垠”来看，如何让这些来自不同文化语系的艺术家作品，在深厚历史文化底蕴的城市中展出而不显突兀，这是一个稍显挑战的问题。而张子康则将方法的核心锚定在“在地性”这一特点，而非简单的文化嫁接，同时又呼应了“回游性”的设计特点。以动线为纽带，让观者摆脱线性观展的桎梏，在空间的转折、开合中获得移步换景的沉浸式体验，这与展览的单元逻辑形成深度共振。
▲ 策展人张子康在H+美术馆首展开幕仪式上发言
▲ H+美术馆开馆展“心游万象· 无垠” ，展览现场展望作品
苏州园林的“咫尺山林”“虚实相生”，与展览中第一单元“世界之间”的抽象自然能量、“深境回声”的隐喻性表达形成跨时空呼应，例如厚重材质堆叠的绘画与苏州古建筑的砖木肌理形成质感对话；极简雕塑装置，则能与园林中“片山寸石”的留白美学达成精神共振，让作品与场域的关联内化于意境，而非流于表面的符号复刻。“世界之间”以大尺幅作品占据开阔的空间，构建起具有冲击力的“入口场域”，如安塞姆·基弗、草间弥生、张晓刚、曾梵志、毛焰、克兰斯顿等艺术家的作品。
▲ “心游万象·无垠”群展：第一单元“世界之间”展览现场
行进至“深境回声”，空间收束为更具围合感的形态，作品的沉思性语汇与静谧空间呼应，引导观者从视觉冲击转向向内沉潜，展览中的作品往往带有文化的重量，无论是隐含着传统与当代叠加的图像，还是追问个体与历史关系的影像，作品并不直接强调叙事的完整性，而是通过象征、隐喻和氛围的营造，将观众引向反思性的状态。如杨福东的《无限的山峰》系列、陈文骥的《涵·九识之一》、王鲁炎的《镜前、镜像者指被镜像者》、汉斯·欧普·德贝克的《Vanishing Point》等作品。
▲ “心游万象·无垠”群展：第二单元“深境回声”展览现场
▲ 杨福东的《无限的山峰》系列
最终步入“微光漫游”，空间再度回归轻盈通透，身体与日常生活的触动你情感的作品，消解宏大叙事的距离感。与前两个单元较为严肃与深沉相比，“微光漫游”更强调亲近与温度，最终指向一种生活的哲学——深刻的体验常常贮存于不经意间的细节。这种排布既契合空间中“空”与“实”的交替节奏，更让“回游”不止于物理空间移动，而是转化为一场精神层面的游历，观者在单元的切换中，不断在抽象与具象、历史与当下、宏大与日常之间往复穿梭，最终呼应“无垠”所指向的无限感知边界。
▲ “心游万象·无垠”群展：第三单元“微光漫游”展览现场
这三个单元的逻辑，从“跨越地域时间的多元场域”，到“文化记忆的当代回响”，再到“日常诗意的归返”暗合着苏州文化兼容并蓄的特质：苏州既是历史文化的沉积地，也是当代生活的承载场，展览的叙事线与城市的文化肌理同频，让不同文化语系的作品都成为“无垠”这一核心主题的注脚。同时展览还结合苏州古城的空间特质，植入过渡性场景，例如在大尺幅作品与古城街巷之间设置小型的媒介装置，用光影、声音复刻苏州的“雨打芭蕉”“巷陌回声”，让观者在进入展览前完成从“古城日常”到“艺术现场”的感知过渡，消解文化语境的隔阂。
▲ H+美术馆开馆展“心游万象· 无垠” ，展览现场
▲ H+美术馆开馆展，何多苓的作品
相较于群展的多叙事结构，美术馆还需要具有细腻风格的展览做平衡，艺术家梁铨的个展“心游万象·澄明”就提供了一个更为内敛深沉的视角。他更重视对特定地点或事物的感情和印象，以节奏与层积构成画面，以边缘、缝隙与微差感知，使观者放慢脚步，在近距离的细节中调整注意力。
▲ 凤凰艺术特约撰稿人齐晓鸾、艺术家梁铨、凤凰艺术总编辑肖戈在展览现场
即便是以风景命名的作品，画面与具体的空间也并非直接对应。梁铨对具象主题的处理更接近中国文人绘画，形象不滞于物，为主观性的表达留有余地。他曾经谈到：“我喜欢带有抽象意味的东西，但是我整个画作的情调是具象的，画面实际呈现出的是中国山水画的节奏。”在梁铨看来，绘画既需要秩序，也要天趣；既要有结构，也要有文人性。
这一方法体现在为H+美术馆特别委任的新作《江南》中，它以艺术家记忆中的“小桥流水人家”为线索，以及吴冠中笔下同样以黑白关系提炼江南气质的视觉传统，将江南水乡的氤氲气息转化为空间化的艺术体验。作品以黑白灰的立体结构将其纸本拼贴中的几何元素升维成可一种造景，圆、弧、直线与块面像被压缩过的巷陌与屋檐关系，层与层的错位、孔隙与阴影成为观看发生的场所。
▲ H+美术馆特别委任的新作《江南》
作品把“江南”从色彩叙事抽离出来，转而用灰阶去触及苏州的气质，白墙黑瓦的明暗对比、青石板路的潮润反光、巷弄深处的回声与水声被提炼成一种更克制、更现代主义的结构秩序。同时借用了建筑师草图的“鸟瞰感”，带出一种从上往下观看城市的视角。它在静谧的水乡气息与城市叠染的复杂度之间保持呼应，向江南传统建筑的精神致意，也与H+美术馆清水混凝土的灰色肌理形成质地上的互文。
值得一提的是，展厅一隅还特别呈现了一场苏绣与艺术对话的现场行为，一位苏州绣娘静坐于绣架前，正以针线临摹梁铨的抽象画，将画面的色块与线条一点点绣进绢丝之中。也让“澄明”从观看的意境延伸为一场正在发生的工艺劳作。它让江南的传统知识体系与当代艺术在同一空间里互相验证，江南不只是被观看的风景，更是一种能生产秩序、能沉淀时间的能力。
▲ 绣娘用刺绣表达梁铨的绘画作品，H+美术馆 PLUS SPACE园林讲究水、气、时令与人的感受如何互相牵引，H+美术馆把江南的光、水与时间感转换成了当代艺术可以对话的语言。
除室内展厅外，户外区域“水之露台”与“屋顶花园”同期启用，在呈现“立体园林”景观的同时，亦可作为公共艺术展示与活动空间，进一步丰富访客的多维体验。H+美术馆二层户外空间在江南水景映衬下成为一个融合建筑空间与艺术观念的冥思地点。水之露台上的安东尼·格姆雷与安藤忠雄的雕塑作品像园林里的“点景”，露台的北侧有留园与西园寺的园林远景，南侧靠近苏州商业重心，在水与天光之间制造一个可被反复回望的锚点，让公共空间也拥有可被记忆的形象。
作为商业价值出众的公共空间，还要面对一些问题和压力：当一座美术馆落在古城核心、落在商业人流之上，此时公共性要如何成立？如何防止一家美术馆仅仅变成高级的“景观”而已？这些问题是来自美术馆生态在过去十余年里反复的现象，新增地标并不稀缺，从宏观层面上甚至能看到公共美术馆数量、展览与参观人次的增长，稀缺的是可持续的经营能力、稳定的内容生产、专业团队的合作、公共教育与城市关系的经营。近年来民营美术馆屡屡传出暂停开放或闭馆的消息，原因也往往集中在运营压力、资金缺口与观众参与度的瓶颈中。
H+作为一个商业综合体出现，华贸中心的项目把写字楼、酒店、公寓、商业街区与园林并置在同一叙事中，H+也与“万象天地”、丽思卡尔顿酒店、紫芝园等共同构成一个城市级商业人文目的地，这对任何希望建立公众触达的当代美术馆而言都是难得的起点。
H+的人流通达性是它的现实优势。但流量的充盈同时也意味着观看经验可能被稀释，展览容易滑向感官消费与拍照分享的现象。真正的挑战在于如何创造观众可接受的方法，不只是“到此一游”，而愿意形成观看的习惯。如果公共教育、社群建设、研究出版与委任创作无法被制度化推进，展览将难以进入更长的时间维度，机构也难以脱离短周期的内容更新焦虑。执行馆长吕金洲强调“在地性”和“没有边界的美术馆”，与不同业态探索联动，让艺术融入生活。“在地性”是一种更具体的工作，把被观看的景观转化为可参与的公共生活，让展览、项目与教育机制持续发生，让观众愿意停留，把美术馆当作日常的一部分。
从开馆展的结构来看，H+也确实在尝试为古城提供新的文化想象，姑苏古城的文化影响力，往往受制于传统符号的刻板印象，而当代艺术展览以“学术性”“未来性”的特质，打破这种认知局限。展览所构建的多元文化对话、对感知边界的探索，能吸引更广泛的受众群体，从艺术从业者到普通市民，从本地居民到外地游客，让古城的文化形象从“古典”拓展为“古典与先锋共生”，提升城市文化空间的吸引力与包容性。
另一方面，展览把视线拉回日常细部，为当代艺术进入古城生活提供更低门槛、更贴近身体经验的入口。展览如果能进一步向街巷、园林、老宅等公共空间延伸，形成嵌入式的呈现与活动，它就可能成为市民文化参与的连接方式，使得艺术成为促使人重新理解自己所处城市的一种方法。
因此，H+此刻开馆的意义，在于它以一个足够亮眼的开幕为古城核心注入当代艺术的新动能，为城市保留一种可停留、可复返、可被共同记住的慢时间。更值得期待的是H+在接下来的运行中转化为长期的、稳定的公共实践，在民营美术馆普遍面临焦虑的当下，提供一个更具说服力的样本。
▲ H+美术馆首展现场与俯瞰
心游万象.无垠
展期：2025.12.29-2026.05.20
地址：H+美术馆
策展人：张子康
艺术家：安德鲁.克兰斯顿、安东尼.葛姆雷、安吉拉.海施、安塞姆.基弗、阿德里安.格尼、草间弥生、陈文骥、池村玲子、弗朗西斯卡.莫利特、汉斯.欧普.德贝克、何多苓、贺慕群、加藤泉、卡洛琳.沃克、拉希德.约翰逊、劳伦.奎因、尹秀珍等
心游万象.澄明:梁铨个展
展期：2025.11.09-2026.02.28
地址：H+美术馆3F一4F
艺术顾问：刘晓都
主办方：H+美术馆
协办单位：红树林画廊、坪山美术馆
（凤凰艺术 苏州报道 采访/撰文/Heather 编辑/段世豪 责编/dbk 索菲）
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